厦地古村的守护者——程美信专访

程美信来到福建屏南地区的厦地村,开始了古村落的的保护和修复工作。几年下来,不仅是民居的修缮和村庄环境的改变,程美信和他的团队还办起了图书馆、村民画室、电影公益培训等多种文化项目,丰富了当地居民的文化生活。

卢文超 :符号互动论视野下的艺术图景——以霍华德·贝克尔为中心的考察(上)

符号互动论是美国社会学的一个重要流派。霍华德·贝克尔的艺术社会学将符号互动论的社会图景推进到艺术领域,生动地展示了符号互动论视野下的艺术图景。对符号互动论而言,客体的意义是社会建构的;对贝克尔而言,艺术是一种人为的标签。对符号互动论而言,与其他角色的互动需要预想其可能的反应,而后制定行动路线,对贝克尔而言,这就是艺术家与艺术界的“内在对话”。对符号互动论而言,社会行动大部分具有重复性,偶尔会有新变;对贝克尔而言,大部分艺术家大多会遵守艺术界中的惯例,偶尔也会违背。对符号互动论而言,社会互动具有多样性,贝克尔的探讨的艺术家与其他各种角色之间的互动,正好展示了这种多样性。无论是从美学角度,还是从社会学角度,贝克尔将符号互动论向艺术领域的推进都有其贡献,也有其缺陷。

阿尔弗雷德·巴尔 :立体派与抽象艺术

到了二十世纪初,主流的兴趣几乎完全与之相反。在最近的五百年中,绘画已经完成了对外部视觉世界的征服,并以不同的方式多次将其完善精进。更具开拓精神和原创性的艺术家越来越对描绘事实感到厌倦。在一种共同的、强大冲动的驱使下,他们抛弃了对自然外表的模仿。

露西·利帕德、约翰·钱德勒 :艺术的去物质化(节选)

20世纪60年代,过去20年里突显反智、情感/直觉过程的艺术创作开始让位于一种几乎专门强调思维过程的极端的观念艺术(ultra-conceptional art)。随着艺术品在工作室设计却在别处由专业工匠完成,随着艺术品成为纯粹的制成品,很多艺术家正在对艺术工作的物理进程失去兴趣。工作室正再次成为研究场所。这一种趋势似乎引发了一场对艺术——尤其是对作为实体的艺术——的影响深远的去物质化,这样的势头倘若持续盛行,或许会导致实体完全遭弃。

“新美术馆学”的运营之道

日前,一场有关“美术馆发展”的论坛在烟台美术博物馆举办,在原有的基础上,美术馆的展览策展、公共教育与美术馆制度等一系列主题从新的层面和角度展开,更重要的是论坛中各位美术馆馆长和专家的演讲和讨论,让笔者感受到新美术馆学的实践已经或隐或现地进行了,中国的快速发展让美术馆馆长进行这样的思维转型是必要的,并以接地的勇气让它在本土别开生面。

朱良志:倪瓒绘画的“绝对空间”

本文探讨元代艺术家倪瓒(字云林,1306-1374)的绘画空间问题,认为他创造了一种“绝对空间”,此空间具有非对境、截断联系、消解动力、非时间和非计量等特点,这一空间模式创造的影响明清以来溢出绘画领域,成为中国艺术哲学中以小见大、当下圆满思想的代表性语言。

2017年美国十大公共艺术区指南

在2017年,雄心勃勃的公共艺术项目在美国各地亮相,从迈阿密的一个艺术丛林健身房,到在北加州的一艘海盗船,人们可以免费观看。这篇文章是一份关于美国最好的公共艺术指南。

“审美”的历程与“审美”的重建刘旭光

梳理过去二百年关于“审美”是什么的理论史,可以说明“审美”不是一种原始的或自然的能力,它是一种源自理性的“要求”,一种对“观看世界”的方式的要求。这种要求具有形而上学的性质,而二十世纪的“审美”在现实中走向沉沦,在理论上陷入绝境,就是因为放弃了审美的形而上学维度,审美完全被浅表化了,它和感官的诸种应激性反应杂糅在一起,审美的反思性没有被强调,但非理性的感受性、知觉、体验、诸种非理性能力在审美中的作用被强化了。人类建构“审美”的初衷——“反思判断”,“自由愉悦”与“自我完善”被遗忘了。我们需要什么样的审美?那么本文的回答是:通过“自由理性”与“自由的感性”而获得的“自由愉悦”。

保存、研究与传达,谈谈当代博物馆精神

对于博物馆、美术馆的公众性的坚持,可能也恰恰在于是这样的公共空间,能够包容多元的审美和心境,在同一座建筑中浏览同样的物什,用各自的方式怀想不同的感触。

漫道寻真——20世纪30、40年代西南、西北写生的局部研究与展览

“造化天工——吴作人写生作品展”展出了吴作人写生时所使用的遮阳伞、画箱、画架等工具推出的“庞薰琹、吴作人、孙宗慰、关山月20世纪30、40年代的写生及其创作”的展览,则是对四位艺术家及其作品进行专题性、断代式的比较,应该说是一次对具体艺术家个案进行交叉、比较与延伸的研究性展览项目。庞薰琹、吴作人、孙宗慰、关山月这四位与西部结缘的艺术家应该说是20世纪中国艺坛在不同角度颇具代表性的艺术家。40年代前后,他们先后到达西部,值得注意的是这四位艺术家赴西南、西北的写生与创作成为他们高峰期到来的起点。

徐悲鸿油画《愚公移山》的来龙去脉

1939年12月,徐悲鸿应印度诗人泰戈尔之邀访问印度。1942年1月,徐悲鸿登上新加坡沦陷前最后一班开往印度的轮船,离开了新加坡。为了创作的便利,画中的人物模特多由印度人充当,印度国际大学的学生甚至争做徐悲鸿的模特。

当代博物馆精神

现在有很多误区,以这两年的特展为例,都是卖“多媒体”“沉浸式”概念,虽然在话题制造和票房上有可观的收获,但是对教育来说,特别是博物馆的教育,还是应该脚踏实地。

盛葳:卢沉的西方观和现代观

在卢沉的艺术和艺术思想中,最引人思考的是中国画的现代化以及对西方艺术的看法。与卢沉这个美术史案例相比,其他很多艺术家同样也有通过引进西方艺术来改造中国画,以使中国画走向现代的目的。

食物作为艺术的定位:当代西方美学界对味觉、嗅觉问题的论争

西方传统哲学反对味觉、嗅觉的审美性以及食物的艺术性,其理由是,味觉、嗅觉不同于视听感觉,食物是否具有艺术的形式性、时间性、审美性、非功利性等特质存在疑问。库恩认为,如果食物要被视为艺术,它就需要一个语境,其中,审美的有意义的经验能够来自日常生活。四、食物艺术:一种次要的艺术形式西方传统哲学反对味觉和嗅觉的审美性的理由,是将味觉和嗅觉看作是基本的、身体性的、非人的、动物性的、粗鲁的低级愉悦。

奇观与震惊:装置艺术中的竞争逻辑

“奇观”理论的提出与20世纪60年代西方消费时代的到来有着直接的关系。消费时代不仅意味着物的空前积聚,而且意味着一种前所未见的消费文化的形成。

施林·奈沙特:艺术是我们的武器

伊朗女艺术家施林·奈沙特(Shirin Neshat,1957-)是一位流亡者,她居住在纽约,但其所有作品几乎都与苦难深重的祖国有关。

第二次的原色:新前卫的范式重复

比格尔对新前卫的讨论没有考虑到六十年代末和七十年代初的那些艺术实践(他的著作于1974年在德国首次出版),而这些艺术实践激进地批判了“前卫艺术的体制化”,比如,艺术家马塞尔·布达埃尔、丹尼尔·布伦、汉斯·哈克等艺术家的作品。而且,我还想探讨的是:是否正好是这种重复的过程,构成了新前卫艺术生产的特定的历史“意义”和“本真性”。[6]我们不能完全否认,激发罗德琴科的声明的,仍然是一种反资产阶级的、未来主义式震惊价值的残余,但即便如此,罗德琴科这一现代主义批判策略,很明显是对艺术生产的“祛魅”,在这个例子中,就是通过废除将意义赋予色彩的传统模式来达到的,让色彩回归纯然的物质性。

刘斯奋:且说文人画

大英博物馆:中国文物的来龙去脉

通过从Oxustreasure购入著名的中亚古代金饰艺术珍品,购买英国收藏家AlexanderCunningham藏品(Cunningham曾在印度担任工程师,后成为印度考古与艺术专家),从印度古董商人手中购买,福兰克斯建立起包括中国、日本在内的丰富瓷器收藏。奥斯卡拉斐尔(OscarCharlesRaphael1874-1941)对中国古代文化的热爱和收藏从少年开始,“卡尔贝克辛迪加”股东,一度担任东方陶瓷学会主席,成为中国艺术的重要收藏家和鉴赏家,此外他还收藏古波斯艺术品和日本艺术品。乔治尤摩弗帕勒斯(GeorgeEumorfopoulos1863-1939),银行家和企业家,早年收藏欧洲艺术,后集中收藏中国早期文物,“卡尔贝克辛迪加”股东。

马戈利斯:丹托论丹托的艺术哲学

20世纪80年代,阿瑟·丹托将关于艺术品本质的难题与涉及绘画的相对晚近的艺术运动作了一个出色的关联。毫无疑问,这成为了自《哲学对艺术的剥夺》(The Philosophical Disenfranchisement of Art)(1986)的出版至本综述之间长达20余年间分析美学中最有争议的论题之一。
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话题

2018公共艺术展轮番上演 换汤不换药?
今年以来,以公共艺术为主题的展览、艺术节、论坛、作品征集活动在全国多地上演,频频进入公众视野。有人认为,公共艺术在众多艺术门类中是当前乡村、城市转型的最有力抓手;也有人质疑目前大多数公共艺术活动属新瓶装旧酒,形式内涵大同小异,对此,你怎么看?